IX Seminario de Prácticum de Musicología Histórica

En la década de 1980, directores y orquestas vinculados al movimiento históricamente informado (HIP) comenzaron a abordar la interpretación de las obras sinfónicas de Beethoven, extendiéndose posteriormente al repertorio de las grandes orquestas del siglo XIX. Han pasado varias décadas y, a medida que el intenso examen de la interpretación de las sinfonías frente al uso de instrumentos de época, la autenticidad y la forma de interpretación ha ido disminuyendo, se puede comenzar a indagar en las razones subyacentes a este avance.

Hasta el momento, no se ha realizado una investigación integral al respecto, aunque algunos autores han señalado las motivaciones comerciales como una causa que influye en estos directores y orquestas de época. Este trabajo tiene como objetivo identificar y analizar los factores que motivaron a directores historicistas a abordar el repertorio sinfónico de Beethoven. Para su consecución, se ha realizado un análisis de artículos redactados por dos de los directores historicistas que más han influido en la forma en que músicos y audiencias se acercan al compositor, Sir Roger Norrington y Sir John Eliot Gardiner, así como un estudio de entrevistas realizadas a dichos artistas.

Como resultado, se observa que, si bien el acicate económico se hallaba presente, múltiples y variados factores operaron de manera sinérgica para propiciar que directores historicistas se adentraran en el sinfonismo beethoveniano y avanzaran a través del repertorio orquestal del siglo XIX.

Emilio Arrieta es uno de los compositores españoles más representativos del siglo XIX, reconocido especialmente por su contribución lírica. No obstante, tras analizar su producción, se ha constatado que, a pesar de su tradicional asociación con la música teatral, su interés por la música vocal trascendió el ámbito escénico, y se dirigió hacia un género tradicionalmente considerado menor: la canción.

Aunque esta comunicación se limita a presentar y detallar a diez canciones redescubiertas y hasta ahora nunca catalogadas, este estudio es el resultado de una investigación mucho más extensa que involucra a toda la música vocal de cámara de Emilio Arrieta, incluso aquella ya catalogada, dado que, hasta ahora, no se ha puesto ningún foco específico sobre este tema.

La necesidad de explorar detenidamente esta faceta particular surge en consonancia con el creciente interés de musicólogos e intérpretes por la canción de cámara, que se ha revelado, como en el caso de Arrieta, un campo autónomo de experimentación creativa. Además, este estudio adquiere mayor relevancia en el contexto del redescubrimiento de fondos musicales inexplorados, como el de la Fundación Fagoaga de Requena (Valencia), que ha proporcionado un material novedoso que ha enriquecido el catálogo arrietiano.

Por último, el estudio aspira a resaltar aquellos aspectos compositivos que relacionan la producción juvenil de Arrieta con la de su madurez y que permiten, por tanto, trazar aspectos peculiares de su estilo compositivo.

Entre 1901 y 1927, en vida de Vicente Blasco Ibáñez, se llevaron a escena cinco adaptaciones líricas de sus narraciones. Sobre las piezas no existe ninguna publicación exhaustiva, más allá del artículo de carácter teatral de Dolores Thion (2000) y el reciente de Marcial García Ballesteros (2023), en el que se aportan algunos datos y puntuales críticas.

En la presente comunicación se profundiza, a través de libretos, partituras y prensa, en dos de las zarzuelas de carácter costumbrista basadas en la literatura de Blasco Ibáñez: La senserrá (1901), “sarsuela valenciana” compuesta por Josep Bellver sobre libreto de Lluís Bernat y Teodoro Santoncha; y Cañas y barro, zarzuelas en un acto sobre adaptación literaria de Venancio Serrano Clavero con música de Mariano Hermoso Palacios y Andrés Abad Antón (1909) y Mariano Pérez Sánchez (1924), respectivamente.

El presente análisis permite entrever la conexión con los axiomas ideológicos de la Renaixença valenciana, movimiento de raíz regionalista que protagonizó muchas de las manifestaciones culturales y artísticas de la ciudad de Valencia a finales del XIX y comienzos del XX. El vínculo entre las zarzuelas y el ideal renaixentista se establece a través de tres aspectos clave. El primero, gira en torno al uso de la lengua vernácula: el valenciano. A continuación, se analiza la ambientación en un paisaje redescubierto por los poetas renaixentistes, una tierra heredera de la tradición clásica mediterránea y que ennoblece, por extensión, a los personajes que la habita.

Por último, se da cuenta de la presencia de ritmos populares y danzas tradicionales que, a menudo, resultan una transcripción de los celebrados pasajes musicales presentes en los relatos de Blasco Ibáñez.

Este estudio examina la influencia del nacionalismo y el folclore gallego en Alborada, una obra significativa del violinista y compositor gallego Manuel Quiroga Losada.

A través de un análisis detallado de la obra, compuesta en 1925, esta investigación busca llenar el vacío en el estudio de las composiciones de Quiroga, que han sido principalmente eclipsadas por enfoques biográficos. Utilizando métodos de análisis musical y contextual, el estudio revela cómo Quiroga incorporó elementos del folclore gallego, específicamente la canción “Un adiós á Mariquiña” (Curros Enríquez / Chané), en la estructura y melodía de Alborada.

La obra se caracteriza por una amalgama de tonalidades y métricas, reflejando una fusión de técnicas contemporáneas y tradiciones musicales gallegas. El estudio también destaca el papel del movimiento nacionalista gallego en la inspiración y recepción de la obra de Quiroga. Los resultados indican que Alborada no solo simboliza la identidad cultural gallega, sino que también representa un puente entre la tradición folclórica y la innovación musical en la obra temprana de Quiroga.

Este análisis contribuye a una comprensión más profunda de la influencia del contexto cultural y político en la música clásica del siglo XX en Galicia.

El musicólogo estadounidense H. C. Robbins Landon (1926-2009) dedicó toda su vida al estudio de la música del siglo XVIII. Entre sus numerosas publicaciones, centradas especialmente en la recuperación de la música de Haydn, destacan, así mismo, las dedicadas a la vida y a la obra de Mozart. Dichas publicaciones apenas han sido tratadas en el ámbito musicológico y no existe ningún estudio crítico sobre el corpus completo.

Nuestro objetivo es comentar de manera crítica todos sus libros sobre Mozart, debido al impacto que tuvieron desde su publicación a lo largo de las décadas de los ochenta y los noventa. Su influencia tiene que ver con la eliminación de las leyendas relacionadas con el final de la vida de Mozart y la composición del Réquiem, así como con la figura de su mujer, Constanza Mozart, quien habría jugado un importante papel en la divulgación de la obra del compositor tras su muerte.

Comentaremos estas y otras aportaciones novedosas por parte de Landon a la biografía mozartiana, como la introducción de comentarios analíticos de la obra completa del compositor de Salzburgo y los extensos estudios sobre piezas menos conocidas. El estilo de Landon y el alcance de su trabajo se diferencian notablemente de los de sus predecesores, por lo que compararemos su producción con publicaciones destacadas de autores que representan la biografía tradicional mozartiana: los influyentes Alfred Einstein, Bernhard Paumgartner y Jean y Brigitte Massin.